7 февраля открылся новый выставочный сезон в Даугавпилсском арт центре имени Марка Ротко. Коллекцию работ из 7 проектов назвали «Ода Графике», и её можно увидеть до 12 апреля 2020 года. Но сегодня, мне бы хотелось рассказать о предыдущем цикле работ который проходил в период с 15 ноября 2019 года и завершился в январе 2020. Мне посчастливилось гулять по выставочным пространствам в полном одиночестве, что я лично очень люблю, ведь именно поэтому мне удалось внимательно изучить все представленое так сказать в девственном виде. Всего было представлено 8 экспозиций в секторах B, C, D, не считая постоянную экспозицию в секторе А.(1) Казалось бы, логичнее писать про привезенную из фонда Александра Васильева коллекцию «Югендстиля». Уважаемый Александр Александрович по праву пользуется большой популярностью не только в нашем городе, но и в целом по стране. Однако, пользуясь случаем я хотела бы рассказать про наших местных мастеров и «хранителей культуры», а так же, почему об этом важно говорить.

Начну с того, что современный музей/галерея вынуждены существовать в ситуации полной зависимости от своего местоположения, балансируя между «понятным» и «актуальным» искусством. Смена и выбор экспозиций зависит от многих факторов, но в основе всегда находится таргетируемый зритель, менее или более информированный в вопросах искусства. Кто придет, когда и зачем? Отвечая на эти вопросы, можно подумать, что куратору всегда приходится идти на некую жертву, выбирая между банальной рентабельностью всего происходящего (показывать то, что желает зритель) и желанием сформировать культурно-дискуссионную среду, которая бы принадлежала к темам актуального искусства в мире (образовывать зрителя), что так же принесло бы больше межкультурных связей, и соответственно, статусности самому заведению. Но, стоит лишь посмотреть на это более предметно, то можно обнаружить ситуацию лишенную такого драматического поворота. Ведь именно на разрывной границе этой умозрительной конструкции и проявляется взаимодействие аутентичного диалога и «истинной культуры» , культуры здесь и сейчас. Именно на этой «границе» ощущаются движение и соприкосновение одновременно нескольких культурных плоскостей: местной, региональной, республиканской и глобальной. Соответственно в каждом городе любой страны, можно уловить свою неповторимую «ауру» от соединения и пропорции диалогов между этими плоскостями и тенденциями искусства, которые они создают. Что хочет Даугавпилс? Какие у города культурные ориентиры? Какую «ауру» от принадлежности к местному,региональному,республиканскому и глобальному можно уловить? Вспоминая первые годы работы Центра имени Марка Ротко можно было отчетливо ощутить, что зрители были разделены на два лагеря: тех, кто не понимал и отрицал такого рода искусство, и тех, кто был более информирован о его процессах создания, а именно исторических контекстах вращающихся вокруг него. Тонкий кураторский труд в виде работы с историческими документами и их частичным, но очень продуманным размещением в выставочном пространстве, помог адаптировать «актуальное», но на тот момент, еще не понятное для общей аудитории творчество Марка Ротко. Сам факт появления «нового» для этой местности искусства теоретически как бы «дисквалифицировал» момент его неприятия, так как создал пространство для обнаружения такого рода творчества, а также диалога. Это значимое для города событие стало привлекать больше туристов и любителей искусства, и теперь, спустя 8 лет успешного функционирования музея «новое искусство» уже не представляется таким шокирующим, что позволяет музею идти на более сложносочиненные эксперименты как в вопросах выбора художников, так и курации в целом.

Выставочный цикл длившийся в период с 15/11/2019 до 19/01/2020 можно рассматривать по-разному. Не секрет, что выражаясь не искусствоведческим языком, но в самую точку: «На вкус и цвет…» — вопрос приоритетов (эстетических, интеллектуальных) при восприятии произведения искусства это сугубо личное дело каждого. Критерии оценивания зависят от готовности человека быть вовлеченным в диалоги о культуре — здесь каждый сам себе агент и смысло-строитель. Нет правильных и не правильных оценок искусства — есть менее и более субъективные. Выбирая критерии оценивания вы создаете себе точки опоры, по отношению к которым и будет строиться ваше собственное, уникальное видение предлагаемого материала.Точками опоры для выявления той самой неповторимой художественной «ауры» для меня стали две экспозиции: «Чувство Глины» Эвалда Василевска и «Коллекция идей» Валды Подкалне.

История жизни и творчества Латгальского мастера керамики, а так же распределение созданных им арт-объектов, дополненных документальным фильмом, фотографиями и биографической информацией на стене мгновенно заставляют погрузиться в дух Латгалии, и ощутить знакомую, но не виданную до этого простоту. Если попытаться оставить эфемерные высказывания, и перейти к конкретике, то вот она: Василевскис будучи учеником Яниса Пуятса сумел не только продолжить традицию свойственную Латгальским керамистам, но и привнести в суровое следование канонам свой неповторимый почерк, за что ему не раз пришлось не просто. Искусствовед и наставник Я. Пуятс однажды выразился о творчестве Василевского: «Как вы думаете, он керамист? Нет, он террорист, который должен красить самолеты, а не делать горшки».(2) За Пуятсом держалась слава влиятельного «короля Латгальской керамики»(3) и, не смотря на кажущуюся резкость высказываний, его отдельные цитаты говорят о том, что Пуятс верил в Василевского, как в мастера своего дела. В своем интервью журналу “Patiesā Dzīve” Василевскис вспоминает своего наставника со свойственной латгальцам теплотой, ведь именно Пуятс сподвиг его идти учится и собирать мастерство у умельцев из Латвийских деревушек.(4) Пуятс был поглощен идеей спасения и сохранения Латгальской керамики, в губительный для нее послевоенный период. На последнем десятке жизни в книге «Латгальская керамика» Янис Пуятс писал о Василевскисе следующее: «Его дорога профессионального и художественного роста была полна стремительных, резких и неожиданных поворотов. Он всё хочет обнаружить сам, как неверующий Том, которому нужно всё потрогать и проверить самостоятельно. Активность, продуктивность и неудержимый поиск нового несмотря на то, что предыдущее, может быть еще не воплощено в жизнь — это и есть стремительно-пульсирующие проявления его личности».(5) Василевскис был одним из немногих гончаров, кто с гордостью, маркировал свой труд “100% handmade”. Его искренне расстраивала сегодняшняя ситуация на рынке искусства, и связано это со стандартами и глубинным определением понятия «ручная работа», которое становится всё более исчезающим в наши дни. Василевскис был убежден, что если гончар не добывает глину самостоятельно, то маркировка такого продукта должна быть «50% handmade», и цена соответствующей. Интересно, что при таком идеализме Василевскис не любил романтизировать процесс добычи глины. Он говорил просто: «Возьму лошадку, да и поеду».(4) Да и вообще, не любил называть себя «художником» или «керамистом». Он — гончар, умелец. При всем при этом, этот человек обладал невероятными теоретическими знаниями, которые раскрывали его как очень разносторонне-образованного человека. Он мог одинаково профессионально рассуждать как про значение художественной формы, так и про геологические особенности глины правого и левого берегов Даугавы. Печи для обжига своих изделий он естественно строил самостоятельно. Обложенная огнестойкими кирпичами яма под землей могла вместить себя от 200 -300 предметов. Подобная печь сегодня видится как некая демонстрация принадлежности к ремёслам периода Неолита, ведь она генерирует тот же процесс создания и отношения к будущим предметам быта. Процедура вытапливания такой печи каждый раз особенная. Важно не только правильно уловить, но и удерживать температуру, ведь небольшая ошибка может привести к неприятным последствиям — глина просто расплавится.Но Василевскис относился к таким обстоятельствам философски просто.Также он относился и к визуальной форме предметов которые создавал. Ему нравилась упрощенная, округлённая по форме керамика. Василевскис верил, что округлённый глиняный объект наиболее архаичен, поэтому более нативен и несет в себе столько же смысла, сколько и плотный по элементам объект арт-деко. Форма должна жить вместе с материалом. Основу орнамента составляют 2 элемента — точка и черточка, что является началом и основой всего. Нативные рисунки животных и чего-то растительного часто сопровождают вазы, кувшины и чайнички с плотными, плоскими крышечками.

Рисунок формируется в процессе работы и всегда не повторим. Это что-то среднее между живописью и рисунком — роспись в реальном времени, без особого права на ошибку. В подобный момент создания, время как бы разжимается, т.к. появляется одновременно и пространство полного контроля и свободы выражения — в этой временной точке рождается уникальный почерк, предмет искусства и стиль. Гуляя по центральным улочкам старой Риги, торговым центрам Даугавпилса или Резекне можно увидеть огромное количество разнообразных ваз и подсвечников всевозможных оттенков глазури, но если приглядеться — все они будут репрезентировать коммерчески-ходовую форму сосудов, вдохновленных периодом Арт-Деко. Путешествуя же по деревням, можно уловить нечто более особенное и самобытное, то, что еще не кричит о себе как „eco/bio/authentic/organic”, но таковым является. Это и есть наполнение той «умозрительной границы», что представляет собой локальное искусство Латвии.

Давайте теперь рассмотрим, что наполняет нашу умозрительную границу «республиканского/глобального». Несомненно это экспозиция работ Валды Подкалне «Коллекция идей». Во-первых, это социальный проект, который удаляет зрителя от классического понимания того, что должно представляться в выставочном пространстве. Во-вторых, это конечно же форма этой авторской задумки. Художественный жест Валды Подкалне, можно сопоставить со знаменитым перфомансом «Rhythm 0» Марины Абрамович (1974). С 8 вечера до 2ух ночи Абрамович неподвижно стояла обнаженной в выставочном пространстве как объект, который был готов к любой интеракции со стороны зрителей. Посетителям галереи также были предоставлены 72 предмета, которые они могли использовать по отношению к оъекту. Эти 72 предмета представляли собой то, что могло бы причинить художнице либо физическую боль, либо наслаждение. Милая и добрая интеракция закончилась очень скоро, и зрители стали применять лезвия и ножи, чтобы причинить Абрамович физическую боль.(6)

Валда Подкалне в своём проекте создала и размножила две формы обьектов: коллекцию фарфоровых кружек в 1993 году и чистые фарфоровые блоки в период 2017-2018 г.

Фарфоровые кружки и блоки были переданы в полное распоряжение другим художникам, с целью как-то их творчески переиначить. В ситуации с кружками, художникам требовалось расписать фарфор так, чтобы сохранить функциональную составляющую самого предмета. Тогда как интеракция с фарфоровыми блоками представлялась более свободной, поэтому и количество вовлеченных материалов и их преобразование было неограниченным. Всего в проект «Коллекция идей» вовлечены 34 Латвийских художника,(7) каждый из которых имел возможность рассказать о чем-то своем, не только фиксируя собственные переживания, но и делая это вместе с основательницей проекта.

Задаётся логичный вопрос:" Чем же эти два проекта вообще могут быть похожи?". Не буду разглагольствовать, сразу к конкретике — они похожи нарративом, который создается в процессе рассуждения о природе и форме художественного жеста и художественного проявления в принципе. Для того чтобы лучше разглядеть схожесть мотивов, а так же необходимость подобного рода проектов начнём с самого художественного жеста. Он, по своей природе, как известно, очень эгоистичен, впрочем, как и все человеческие проявления, с точки зрения нашей психики. Художники часто работают с этой информацией, создавая интересные художественные обстоятельства, при которых этот унаследованный психический фактор как бы испытывается на предмет стойкости собственного эгоцентризма. Ещё раз хочу подчеркнуть, что всякая интерпретация «художественного жеста», как и искусства в принципе, это поле боя нарративов, а именно не что иное, как игра понятий и слов. Так например перформанс Абрамович действительно кажется экстремальным, т.к. художница сознательно представила собственное голое тело, как художественный объект, что создало теоретическое пространство, в котором мотивация и желание художесвенного проявления как бы перестают быть эгоцентричными, ведь Абрамович сама выбирает условия, при которых люди могут сделать с ней фактически все, что им угодно. Это можно было бы назвать и сознательной жертвенностью, что сразу вернуло бы категорию «эгоцентризма» в наше рассуждение обратно. Но дело в том, что перформанс был определен рамками эксперимента, с целью получения данных от взаимодействия художественного объекта и зрителей. Более того, дело закончилось тем, что один из зрителей достал пистолет, что моментально этот перформанс завершило. Охранник Абрамович просто вывел её из зала. Говоря теоретически, «жертвенность» как оценочная категория рассуждения исчезает, влача за собой и эгоцентричную природу художественного жеста.

Теперь вернёмся к Подкалне. Успешная, практикующая художница известная как в Латвии так и в Европе, Валда Подкалне работает не только с керамикой, но ещё с фотографией и инсталляциями. В течение 27 лет она работала доцентом кафедры визуальных коммуникаций в Латвийской Академии Художеств. Зачем ей создавать проект, в котором демонстрируется, что её собственная творческая позиция находится рядом, так сказать, в ряду интерпретаций других людей? Почему бы ей не продолжать собственную выставочную практику индивидуально? Ведь это то, как существуют многие современные художники, целью которых является продвижение своего уникального, творческого подчерка и видения. Скажу честно, на этот вопрос у меня нет ответа, но есть искренняя реакция благодарности за такую художественную позицию. Почему? Здесь я тоже никого не удивлю — потому, что подобных жестов в современном искусстве маловато. Во времена когда культура требует стать особенной, чтобы быть нужной и важной не хватает общего понимания «для кого?» и «для чего именно?» это нужно, а так же какие последствия влечет за собой следование этому условию. Проект Подкалне конструирует площадку для того, чтобы напомнить нам, что в создании искусства, так же как и в его интерпретации, не может быть иерархических оценок, как и не может быть Богов и гениев, тех, чьё видение должно быть навеки «за постулировано». С лица художника уже давно сняли «святой лик». Сегодня он контэнт-мэйкер, который как никогда нуждается в коллаборации и ощущении принадлежности. Ведь несмотря на то, что растущее количество населения и технологии сегодня позволяют получить любое общение быстрым и легкодоступным путем люди все больше страдают от одиночества и депрессий. Чтобы это прокомментировать, предлагаю вспомнить цитату из книги «Солярис» Станислава Лема:«Должен вам сказать, что мы вовсе не хотим завоевывать Космос. Мы хотим расширить землю до его границ. Мы не знаем, что делать с иными мирами. Нам не нужно других миров, нам нужно зеркало. Мы бьемся над контактом и никогда не найдем его. Мы в глупом положении человека, рвущегося к цели, которая ему не нужна. Человеку нужен человек!» Человеку нужен человек, а культура сегодня нуждается в проектах, поощряющих прибывание в без авторитарной, дискуссионной среде. В среде, где поощряется дискуссия, а не её лидеры- где есть место для каждого, и это место «со всеми». «Коллекция идей» В. Подкалне наполняет собой границу республиканского/глобального искусства потому, что этот проект задает вопрос о художнике, его самоопределении и миссии в рамках культуры в принципе, что является общим теоретическим предметом для рассуждения в независимости от типа произведенного искусства и его географического положения.

Заключительный параграф должен нести какую-то оценочную составляющую. Нужно было бы зафиксировать, что вот мол она — моя интерпретация не повторимой ауры от слияния диалога искусств на границе местной, республиканской и глобальной культурных плоскостей в Даугавпилсском Центре имени Марка Ротко за выставочный цикл от 15/11/2019-19/01/2020. Зафиксировала.

Эпилог. Пожалуйста, идите в музеи, галереи. Ищите местных мастеров. Не верьте тем, кто говорит, что искусство, оно для особенных. Искусство для всех. Ищите, что нравится, и конечно не забудьте посетить новый выставочный цикл «Ода Графике» в Даугавпилсском Центре имени Марка Ротко!

1. Сектор B- Эвалдс Василевскис «Чувство глины»; Раса Янсоне «Правая рука»; Филип Шалаев «Анималистика»

Сектор С- Коллекция фонда Александра Васильева «Югендстиль»

Сектор D- Виолетта Ятниеце «Вчера.Позавчера.Сегодня»; Леонид Щемелёв «Живопись»; Винета, Агнесе, Андра, Гатис Курземниеки- «Синергия»; Валда Подкалне «Коллекция Идей».

2. https://www.rothkocenter.com/ru/ekspozicija/chuvstvo-glini

3. http://www.diva.lv/video/klets/klets-2005-10-23

4. https://jauns.lv/raksts/zinas/51220-ciemos-pie-podnieka-evalda-kurs-pats-izrok-un-attira-malu-reportaza

5. http://rezeknesnovads.lv/in-memoriam-evalds-vasilevskis-1953-28-10-2018-09-08/

6. https://www.youtube.com/watch?v=xTBkbseXfOQ

7. Участники: обьединение GolfClayderman, Катрина Чемме, Каспарс Грошевс, Харалдс Егодзиенскис, Янис Крауклис, Иева Крауле-Куна, Майа Куршева, Андрейс Лавриновичс, Анете Мелеце, Катрина Нейбурга, Оярс Петерсонс, Беате Пойкане, Кришс Салманис, Эвита Васильева, Эвелина Вида, Лота Вилма Витиня, Аманда Зиемеле,Инесе Брантс, Ромс Бентс, Анатолий Бородкин, Андрим Брежис, Индулис Гайланс, Хелена Хеинриксон, Иварс Хеинриксонс, Петерс Мартинсонс, Сармите Малиня, Анита Мелдере, Андра Нейбурга, Юрис Путрамс, Марута Рауде, Марис Субачс, Ингрида Забере, Вилнис Заберс.